R.E.M, Rapid Eye Movement, en inglés, donde ocurren los ensueños más profundos en castellano, elegido el nombre aleatoriamente mediante un diccionario. Formado en Georgia, en Estados Unidos y liderado por Michael Stipe, el de la máscara pintada de color azul como si de batman se tratara.
Automatic for the people es, probablemente, el mejor disco de REM junto con Murmur. Ambos discos están en mi posesión y los guardo como oro en paño. De contenidos folk, country, rock, pop y pop clásico, este disco es el más completo de su discografía, y atención, porque probablemente sean de los más influyentes y de mayor calidad de la historia de la música, y no son una barbaridad estas letras escritas. Los, sobre todo, populares temas "Drive", "The Sidewinder Sleeps Tonite", "Everybody Hurts", "Nightswimming", e incluso, "Man on the Moon" y "Find the river", son obras maestras puras, llenas de sentimiento, como la canción al piano de Nightswimming y llenas de garra y emoción, como Everybody Hurts.
Es un disco que debe escucharse de principio a fin, entenderlo, aunque por sí solo ya se explica bien y disfrutarlo. Sería demasiado irónico que unas cuantas líneas de esta crítica pudiesen explicar mejor que la propia escucha del disco. No es mítico simplemente el disco, es mítico el grupo (desde el año 80), sus canciones, su puesta en el escenario, sus instrumentos (mandolinas, banjos...) su personalidad, que es única.
Si tienen la oportunidad, crómprense el disco, porque será una reliquia en vuestra discografía.
Continuemos, entonces, con críticas de álbunes en castellano.
Un grupo gallego, vigués, pop-rock alternativo de nítidos sonidos y de calidad. Un gran disco el último que cierra su historia. Un directo en 2004 con Bunbury y Amaral, entre otros, como regalo a los fieles seguidores de Piratas, y que además fue otro regalo: directamente por mis amigos de toda la vida e indirectamente para mis oídos. De música independiente (muchos problemas con las discográficas porque pensaban que no vendería), orquestral y altruísta; y de sintetizadores, batería y guitarras alejados de lo cotidiano, piratas se convirtió en un referente, no sólo del pop-rock español, sino del sentido y de ideas que yo tengo con respecto a la creación musical: una banda diferente.
Desde Filofobia, Hoy por ayer y M (impresionante donde las haya) hasta las archiconocidas Mi Matadero, Años 80, Mi coco y el My Way versionado hacen uno de los directos de Piratas más estremecedores, humildes y emotivos de todos los que hayan hecho, por lo que representa el disco, su despedida, y por el desglose de todo su repertorio en un mismo CD y DVD. Si es bueno el disco compacto, más lo es el vídeo en riguroso directo. No me puedo olvidar de mi canción favorita de Piratas, El equilibrio es imposible, de ritmo lento y pausado con el toque de atención de Iván Ferreiro, ahora en solitario, por su tambaleante y rasgada voz.
Quien tuviera la oportunidad de haberlos visto (yo la tuve) sabrán lo que son Los Piratas; quien no haya tenido esa suerte, probad a escuchar este disco que resume muy bien su trayectoria que comenzón en 1991. Un grupo tan bueno nunca debió desaparecer. Supongo que será el destino, un destino que se arrepentirá de haber seguido el camino equivocado, porque como diría Sobera: eran buenos, muy buenos.
Todavía recuerdo las veces que mi novia me llama "Feo" en honor a uno de sus grupos preferidos, que también es mío. Es más, quizás sea uno de mis guitarristas y compositores españoles preferidos. Por eso este disco se lo dedico a ella, Jenny, que me recuerda al concierto del 7 de Septiembre de 2007 en Ponferrada (León) que se ha convertido en uno de mis directos preferidos y en uno de los conciertos más me han impactado, con la solemne frase de "Después de un invierno malo y una mala primavera, dime por qué estás buscando, una lágrima en la arena" del disco Lo más lejos a tu lado y que lleva como título Soldadito Marinero, cantada al unísono por todo el coliseum de Ponferrada durante no menos de 2 minutos y con el único acompañamiento de la propia voz del público. Simplemente espectacular.
Y elijo este disco por ser el reciente, no porque sea el que más me guste. Siguiendo el estilo de blues, swing y rock&roll de su primer disco (A puerta cerrada), y después del abandono de Platero y tú, nos deleita con un disco grabado prácticamente "en directo". Es un disco que puede parecer a priori sencillo, sin demasiado brillo ni matices, pero, sin embargo, es un disco soberbio, lleno de ideas y de sonidos de stratos y telecaster's. Desde su primer single Por la boca vive el pez, que para mi gusto, probablemente sea la canción más lineal y pobre del disco, pasando por Me equivocaría otra vez (me encanta esta canción) y Viene y va, canción animada y pegadiza; hasta llegar a la mitad del disco con su instrumental canción de 214 Sullivan Street, la magistral canción de Donde todo empieza y la versión de Extremoduro (muy cambiada con respecto a la original) Deltoya. Con Medalla de cartón y Esta noche Fito quiere dar portazo al disco, pero nos deja con la guinda del pastel: Abrazado a la tristeza, una nueva versión de Extrechinato y Tú, un proyecto musical de Roberto Iniesta (cantante de Extremoduro), Iñaki "Uoho" Antón, guitarrista de este último y Platero y tu y Adolfo Cabrales (Fito). Fue un proyecto ideado para hacer un homenaje al poeta Manolo Chinato, con un único disco, Poesía básica. Es fácil deducir el nombre de Extrechinato y tú: Extremoduro, Manolo Chinato, Platero y tú.
Sólo hay que leer una frase de esta última canción para ver la calidad de la misma, tocada a dúo con el slide de Carlos Raya y la guitarra acústica Guild de Fito:
Me da pena que se admire el valor en la batalla; menos mal que con los rifles no se matan las palabras.
Simplemente unos últimos apuntes. El disco se iba a titular "El color de la coca-cola", que se hace referencia en Por la boca vive el pez, pero por derechos de autor de la marca fue imposible.
En su portada, refleja lo que ha sido Fito&Fitipaldis en los últimos años: subidas y bajadas, cambio de estudios de grabación, productor, guitarrista (José Alberto Bátiz, ahora es Carlos Raya)...Un fito pensativo, lleno de fuerza y vida para continuar con el proyecto de nuevas canciones, nuevos discos y nuevas metas.
Un gran guitarrista, gran compositor. Siempre acompañado de tres guitarras: fender telecaster azul, fender stratocaster blanca y acústica Guild. Yo siempre digo que es "casi" mejor guitarrista acústico que eléctrico, con ritmos imposibles, movimientos veloces en ambas manos y sentimiento único del músico. Se llama Adolfo (Fito) Cabrales.
Seguramente Live es uno de esos grupos que no suelen conocerse si no son recomendados o si no es descubierto por casualidad. A mí me sucedió lo primero, allá en los tiempos de Instituto, por Alejandro, al que desde aquí saludo y agradezco que me hubiera dado la gran oportunidad de conocer a estos fenómenos del rock americano.
Live es un grupo norteamericano que edita su primer título a finales de los años 80, con The Death of a Dictionary y dos años después, ya en los noventa, Mental Jewelry, que podría haber sido perfectamente candidato para formar parte de esta crítica. Sin embargo, además de ser Throwing Copper un disco de lo más completo, es el álbum que catapultó a la fama a Live con más de ocho millones de discos vendidos. Fue en el año 1994, y desde que conocí a Live, a finales de los 90, quería impaciente que éste álbum formara parte de mi discografía. Y por fin lo es, junto con Secret Shamadi que también poseo. Me queda la asignatura pendiente de conseguir, al menos, Menta Jewelry y The Distance to Here, que supongo no será excesivamente tarde.
El disco comienza muy suave, con The Dam At Otter Creek de ritmo inicial lento y desgarradoras guitarras mezcladas con efectos de voz del actor principal Ed Kowalczyk. No es menos la canción que precede, Selling The Drama, canción estereotipo de Live y que, además, son de las más famosas del grupo, junto con las grandes baladas de I Alone y Lightning Crashes con demoledores finales.
All Over You y Stage son claros ejemplos de que no todo se basa en el empleo de acordes bien empastados para formar música; también saben hacer buenos riff's de guitarras y bajo.
Cuando escuché por primera vez la canción de mayor duración, Pillar of Davidson, y sin llegar tan siquiera al minuto de canción, pensé que era la peor de todas en el disco. Sin embargo cometí el error de no saber escucharla en condiciones y, por supuesto, de principio a fin. Resulta que ahora es, probablemente, la canción que más me guste del disco. El bajo que hace de acompañamiento, la melodía de la voz que hace la canción, la pegada de la batería, que maquilla el resultado y la inserción de las guitarras en puntos necesarios y estribillo, hacen de la canción la puntilla magistral del disco, que a mi juicio, todo el mundo debe darle la oportunidad de introducirse en el lector de cd's de sus mini-cadenas.
Catorce son las canciones del disco. Catorce canciones para no aburrirse y descubrir a Live, un grupo ejemplar del rock alternativo y grunge.
Si no existiese Metallica y su mejor disco, Master of puppets, entonces tendría claro que mi disco favorito sería, sin dudas, el primero de Led Zeppelin, cuyo título es el mismo que lleva el grupo.
Un disco de sutilezas rockeras, melódico-bluseras y folk claramente de movimientos británicos (es una banda que nace en Londres), con la fuerza de la les paul de mi guitarrista (además de James Hetfield) preferido Jimmy Page y la voz tan peculiar, aguda y descomunal de Robert Plant de tintes americanos (algunos lo comparan con la voz de la mítica Janis Joplin) hacen de él uno de los mejores discos de la historia del rock.
Un disco grabado en 30 horas de estudio, con riffs que quedan grabados para la posteridad, y la foto del Zeppelin en llamas tiene que estar entre la estantería de los maníacos compra-discos.
Si el disco empieza con un Good Times Bad Times, canción tipo del rock clásico, éste mejora con, también, una de mis canciones favoritas, Babe I'm Gonna Leave You, un tema de Anne Bredon, una cantante folk de los 50 ya versionada por Joan Baez, y magistralmente de nuevo versionada por los Zeppelin.
You Shook Me, canción blusera y Dazed And Confused con el riff pegadizo de Page, que posteriormente Black Sabbath intentó calcar en su Paranoid, llegan al punto culminante del disco.
Con Black Mountain Side muestran los puntos de folk que invaden el disco con la percusión de la tabla indú en un tema instrumental. Simplemente brutal.
Communication Breakdown, la canción más rockera del disco. Rápido y sencillo. Muchas veces las cosas sencillas hacen grande una canción. Este es un claro ejemplo de esto.
Pero si con estas canciones que escuchas no quedas feliz, How Many More Times, que abarca el 15% del disco con sus más de ocho minutos de tema y una mezcla de todo: riff sencillo, blusero y efectivo. Una canción que solían incluir en sus actuaciones con ciertas variaciones. La culminación del disco plasmado en una canción.
Por ser uno de mis mejores discos que guardo con mucho cariño (mis amigos David, Pablo y Adrián me lo regalaron) y por ser el único disco que siempre llevo en el mp3 (nunca me aburre), creo que es el disco merecido para formar parte de la primera crítica del blog.
Nunca os olvidéis del grupo que empezó a dar forma al rock (heavy en algunos casos) y blues de muchos de los grupos de la historia actual y mítica del globo. Se llaman Led Zeppelin y, quizás, sean los más grandes. El problema es que The Beatles, Rolling Stones y Bob Dylan nacieron; sino, probablemente hubiesen sido los más grandes. Así de simple.
Por aquello de retomar viejos tiempos, aunque no tanto, de la etapa de los Smashing con uno de mis discos preferidos que no es otro que "Mellon Collie and the infinite sadness", me gustaría comenzar con la crítica de este disco, Zeitgeist, lanzado en el mes de Julio de este mismo año 2007.
Tras la separación y el disco fracasado de Billy Corgan, cantante y guitarrista del grupo, decide volver a juntar el grupo para volver a los comienzos que hicieron grande a esta banda de rock alternativo. Las críticas negativas que he leído hacia este disco son de las cosas más sorprendentes que me he encontrado alrededor de un disco que considero más que aceptable tras la vuelta de los smashing. Quizás estos críticos, muchas veces comedidos, pensaban que el nuevo disco se haría paralelo al mítico "Adore", "Mellon Collie", y apurando, los "Machina" en cuanto a calidad de los mismos. Y te ríes, porque te das cuenta hasta que punto pueden ser tan significantes las críticas a la hora de juzgar un álbum.
Miras la portada y ya ves la influencia de los Smashing durante su larga carrera: la protesta. La estatua de la libertad hundiéndose es una simple muestra de sus influencias. Pero comienzas a escuchar el disco, sin pasar más del minuto de canción, y ya recuerdas que son ellos, que han regresado, que vuelven no sólo como lo dejaron, sino desde sus raíces. Billy Corgan se muestra tal y como es, con su voz desgarradora y su guitarra próxima al progresivo metalero sin llegar a ser lo último.
Comenzando con "Doomsday Clock" y la batería de Jimmy Chamberlain con fuerza y potencia, pasando por "Tarantula”, su primer sencillo (aunque no precisamente la canción que más me gusta), y “(Come On) Let’s Go” y “For God and Country”, dos de mis temas preferidos del disco. El intento disimulado de aquellas baladas míticas del Mellon Collie, sobre todo “That’s the Way (My Love Is)” que hubiese encajado perfectamente en aquel mítico disco, y “Neverlost” también se hacen notar en su regreso.
Sencillamente una de las mejores maneras de aparecer de nuevo en un panorama musical tristemente perjudicado por aquellos que pretenden "vendernos" el cuento de la piratería fracasada; y lo que es más meritorio todavía, después de aparecer durante una separación de la banda, y de esta manera, para mí, tan espectacular, merece la primera crítica de este blog.
